jueves, 27 de octubre de 2011

CILINDRADA “Salvaje”

(CD Music)

Nunca viene mal un poco de Rock And Roll fresquito y descarado. En este caso llega desde Toledo de la mano de Cilindrada, una formación con más de siete años de historia que ahora nos ofrecen su primer larga duración bajo el explícito título de “Salvaje”. Sus cuatro componentes, José Enrique González “Chichi” (Voz), Bea Rodríguez (Bajo), Víctor José Aramendi “Mendi” (Guitarra) y Samuel Meco “Samu” (Batería), muestran una indisimulada devoción por el rock español más clásico y sencillo que tan buenos momentos nos ha hecho pasar, y que en gran medida reflejan en los nueve temas que presentan ahora de la mano del pluriempleado productor Juan Olmos. Cortes vacilones y fiesteros como la inicial “No Me Digas Que No” con buena presencia guitarrera a cargo de Mendi, las más flojillas instrumentalmente “Ella Una Estrella” y “Quédate Conmigo”, seguramente ésta última gestada en algún bar, o la más arrogante y reivindicativa “No Necesito”. Mayor empaque y un ligero influjo setentero para la crítica de buen ritmo “Una De Mi Quinta” y para “Todo Por El Rock” que bien podría tener algo de autobiográfica exponiendo las vicisitudes de cualquier grupo rockero y en la que la forma de cantar de Chichi recuerda algo a la de Carlos Tarque (M Clan). En “Buscando Rock And Roll” se dejan notar, junto a un buen y clásico solo de Mendi, las colaboraciones en las voces del Chino (Banzai), de Juan Márquez (Coz) y de Bego (Sibila) dentro de un ritmo que no acaba de romper faltándole algo de solidez y chispa, que si aparecen en buena medida en la motera “Salvaje Cilindrada” desafiante en sus voces y la más compacta a nivel instrumental. Se cierra el disco con una cruda y en absoluto retocada versión en directo del clásico de Coz “Las Chicas Son Guerreras” en la que mantienen el desenfado y vacile de la original. Disco divertido, de fácil escucha, sin excesivos alardes, y en el que evidentemente actitud e intención están muy por encima de virguerías y exhibiciones técnicas.
Mariano Palomo

INMEMORIAM “Hijos De Los Hombres”

(Córdoba Rock.es)

Parece que los cordobeses Inmemoriam están dispuestos a dar mucha guerra tras la buena carta de presentación que supuso hace un par de años “Deus Ex Machina” refrendándola con este EP de cinco temas que sigue la misma línea de contundencia y calidad técnica de aquel. Siguen practicando un heavy metal limpio y sólido, con pegada y melodía, y con todos sus componentes ejecutando su labor a una gran altura. En la inicial “Nuevo Orden Mundial” ya podemos apreciar todos estos elementos, conjugando con acierto sonidos clásicos y producción actual para crear una arrogante composición llena de ritmo y rotundidad, con un gran trabajo de guitarras a cargo de José Benavente y Javier Serrano acompañado por los buenos arreglos de teclados a cargo del productor Manuel A. Mart. A todo esto sin perder de vista la magnífica voz de Juan Manuel Pirt que sobresale sobre la poderosa base que forman el batería Daniel Mellado y el bajista Jorge Liébana, que se lo curran a base de bien marcando los cambios de ritmo de la dura e inquietante “Inocencia Interrumpida”. Cadencia media para la agresiva “Vuelvo A Caer” con grandes melodías vocales y unos curiosos efectos de guitarras dobladas, que suenan más actuales y pesadas en “El Fin De Los Días”, deudora en cierto modo del “Black Album” de Metallica, con la voz de José Manuel muy matizada y melódica llegando desde tonos relajados a otros mucho más cañeros, redondeándose el tema con un gran solo de guitarra lleno clase y empaque. Queda para el final “El Hijo De Los Hombres”, una pieza larga de casi diez minutos de duración que arranca lenta con calidez e intensidad, rompiendo con una ligera subida de voz que da pie a un rotundo cambio de percusión y a unas afiladas guitarras, para volver a decelerar con un preciosista fragmento de guitarra, repuntando de nuevo a base de redobles. Más que notable composición que completa un interesantísimo CD que, a diferencia de otros muchos, nos deja con ganas de más, esperemos que estos chicos no tarden mucho en ofrecernos más material. Santelmo, Avalanch, o Saratoga ya tienen más competencia en el podium del metal nacional.
Mariano Palomo

CRANEO “Un Plástico Más”

(The Fish Factory)

Una de esas formaciones que apareció en la escena rockera madrileña en los ochenta y que se dio a conocer por su exitosa participación en el Concurso“Villa De Madrid” ganando su sexta edición en 1983, cuando el Villa era el Villa, parecen querer reverdecer laureles casi tres décadas después. Aunque la verdad es que de aquellos jovenzuelos Cráneo sólo queda en el grupo su guitarrista y principal compositor Manuel Maestre, eso sí, acompañado por el vocalista Johan Cheka que entro en la banda en 1985, siendo el resto de los componentes actuales novedosos, con Antonio Tejada (El Napi) al bajo, Daniel Elorriaga a la batería y Nanny Vergel a los coros. Este “Un Plástico Más” recupera, además de su título, parte de las grabaciones del grupo que pasaron bastante inadvertidas en su momento integrando la mitad de este lanzamiento con cinco temas que supondrán todo un regalo para esos arqueólogos del rock que tanto gustan de rebuscar en el recuerdo musical de nuestro país. Pero vamos por partes siguiendo el orden de los temas según aparecen en el track list del CD. En primer lugar nos encontramos con cuatro composiciones nuevas y una versión actualizada del tema título, todas ellas siguiendo la misma línea de heavy rock típicamente ochentero de las antiguas y que conservan el encanto y cierta ingenuidad de aquellas. El inicio con “No Me Dirás Que No” engancha por su buen ritmo y estribillo resultando divertida y bailonguera recordando un poco en sus guitarras a sus coetáneos Obús. Aire más hard rockero con mayor modulación en la voz de Johan para la pegadiza “Fuera De Lugar” incluyendo un buen solo de Maestre, con Nanny tomando mayor protagonismo en su parte final, aumentando éste en la rockera y sencilla “Palabras” con un guitarreo vacilón pero currado creando una simpática canción. La versión 2011 de “Un Plástico Más” mantiene la estructura típicamente heavy rock de la original del ’83 pero con menor duración y sin los arreglos de teclados a cargo de Mario Loma que aparecían en la misma dentro de la grabación del single que obtuvieron como premio del Villa De Madrid. Podemos comprobar el contraste escuchándola con la voz de José Mª Sánchez Cortina, algo menos potente y técnica que la de Johan pero con ese encanto de las grabaciones de antaño. “Sin Poder Ver El Sol” es otro tema heavy rockero del single con una instrumentación correcta destacando el dinamismo de sus guitarras y las teclas de Loma, completándose los temas del ’83 con la lenta y agradable con cierto aire sinfónico “Estela Azul” resaltando el bajo de Antonio Pérez Segura. Los dos temas que completan el disco son “Niños Desarraigados” y “Marcado Por El Rock & Roll” y corresponden a otro single, grabado en 1985 producido por Carlos De Castro, ya con Johan a la voz. El primero de estos cortes es una composición dura con mensaje y llegada a buen ritmo pero con un sonido mejorable, al igual que el segundo, más motivado con muy buena intención y resultado sólo correcto recordándome a las formaciones de la época, sobre todo a los Banzai más cañeros. Apostar a estas alturas por la continuidad de un grupo de estas características es cuando menos arriesgado, pero parece que además de dejarnos esta joyita para coleccionistas, el quinteto tiene intención de seguir haciendo ruido, el tiempo lo dirá.
Mariano Palomo

MY ONLY SIN “From My Heart”

(Leyenda Records)

Realmente curioso y original me ha resultado el proyecto de Juanje García, el que fuera batería de Goliath y Júpiter, que muchos años después se ha embarcado en una nueva aventura que poco o nada tiene que ver con aquellas en las que participó a mediados de los ochenta. Para empezar en este “From My Heart” de M.O.S. (My Only Sin) Juanje , además de la batería, se hace cargo de todo tipo de guitarras, bajo, teclados y programaciones, bien acompañado por Juanvi, otro veterano de la escena rockera madrileña que no obtuvo tanta notoriedad en su momento pero que entre otras bandas puso su personal voz en una etapa de Marshall Monroe, y que ahora vuelve a mostrar su valía y versatilidad. Aunque la verdad es que viendo los títulos y letras de algunos temas y el diseño de portada y libreto, un tanto tétrico, me asusté un poco y encaré la escucha del disco con ciertos reparos, y de hecho nos encontramos unos sonidos bastante duros y sombríos pero sin perder de vista la melodía y limpieza. Se abre el CD con cuarenta segundos de fraseos de guitarra a modo de “Intro” para desembocar en la rápida y clásicamente heavy ochentera “Long Live Heavy Metal” con la voz de Juanvi algo nasal cumpliendo dentro de un sonido underground heavy metalero lleno de cruda motivación. Empieza a ponerse siniestra la cosa con la melódica y misteriosa “Eating Human Meat” de estribillo opaco y cadencia repetitiva, que se torna más animada en clara y pegadiza “Blinded By Beauty” con cierto regusto Megadeth en el tratamiento de voces y donde insertan un breve guiño clásico al Concierto de Piano nº5 de J.S. Bach en la melodía de guitarra. La desgarrada letra de “Eternal Love” se inserta dentro de una bonita y emotiva ambientación sinfónica de teclados de la que se encarga Juanvi además de cantar con suavidad y profundidad junto a una buena guitarra de sonido clásico, rompiendo a continuación más típicamente heavy primigenia con la aguda “Soldiers”, para volver a bajar el ritmo con la más plana y melódica “Promises And Lies”. Mayor intensidad para la trabajada e inquietante “Way To Hell” en la que participan José Medina con un mínimo aporte gutural, y metiendo con acierto su guitarra Dreny, el hijo de Juanje. Más oscuridad pero con el mismo nivel de limpieza para la teatral “She Must Die”, acabando de suavizarse en la balada “Lullaby” donde sobresale la voz de Juanvi sobre unas guitarras pellizcadas algo sosas, al igual que en le medio tiempo más actual “Endless Agony”. Se cierra el trabajo con la lenta y sentida instrumental “Another Rainy Day” de caja marcada y bonita guitarra clásica con aires Blackmore, poniendo el broche a esta sorprendente y espiritual entrega que precisa de varias escuchas para cogerla el punto pero que, aunque algo irregular, acaba regalando buenos momentos al escuchante.
Mariano Palomo

martes, 25 de octubre de 2011

NAGASAKI “Nagasaki”

(Leyenda Records)

Después de patearse ampliamente los escenarios, sobre todo madrileños, y haber compartido tablas con un montón de bandas, por fin los chicos de Nagasaki ven plasmado su esfuerzo en forma de soporte discográfico con este primer CD. Un disco grabado durante este 2011 que incluye nueve cortes de hard rock melódico y divertido de clara influencia ochentera en los que, aportando una más que competente instrumentación y trabajo vocal, sin complicarse en exceso la vida con enrevesadas composiciones para crear unos temas claros y directos. Desde el inicio con “Tocar El Cielo” ya está claro por donde van los tiros, una canción llena de ritmo y motivación con un punto más heavy en los coros del bajista Luisma Hernández (Santelmo) y de la teclista Rosalva Alonso, ambos también en Arwen al igual que el otro teclista Roberto P. De Camus que marca el inicio del tema. Por su parte el cantante Marko Vrtovek saca adelante su labor con solvencia, bien apoyado siempre por los mencionados coros, como podemos apreciar en la más melódica a lo Sangre Azul “Como Un Sueño” brillando el guitarrista Alan Cueto y el batería Jorge Sáez (ex Dark Moor) con un típico break que marca una buena subida de ritmo. Sigue la línea creciente en “Sirena De Cristal” con unas trabajadas voces dobladas dejándose notar la de Rosalva junto a unos marcados dibujos de bajo a cargo de Luisma y unas virgueras aportaciones de guitarra de Alan, que continua destacando en “Mujer De Hielo” con un rollo más escandinavo a lo Treat, John Norum dentro de un ritmo medio combinando de nuevo voces y teclas con acierto, como sucede en la más A.O.R. “Sin Rumbo” con las voces más matizadas y potentes, para cerrar de forma más cañera con la sólida “Obsesión” recordándome de nuevo a los Sangre Azul más duros. La balada no podía faltar, en este caso la electroacústica “Alas Rotas” pone la pausa con pasión y suavidad de la mano de las voces de Marko y Rosalva, que desaparecen para dejar el protagonismo total al resto del grupo en la instrumental que le da nombre “Nagasaki”, que comienza lenta con piano y arreglos de cuerda para acelerar rápidamente creando una trabajada composición intensa y entretenida llena de ritmo y que lejos de ser un mero ejercicio de exhibicionismo técnico supone uno de los momentos más remarcables del disco. Un buen trabajo de estos trabajadores y competentes músicos que siguen mostrando su versatilidad y calidad en todos sus proyectos, ya sean más heavies y progresivos (Santelmo, Arwen, Dark Moor, Ad Astra) o más melódicos y hard rockeros como este que nos ocupa.
Mariano Palomo

JULIO CASTEJON “Vía Cortada Al Paraíso”

(The Fish Factory)

Uno de los personajes más significativos de la historia del rock español sigue dando muestras de su buen hacer tanto con la banda que le dio a conocer en los 70’s, Asfalto, como en sus entregas más esporádicas en solitario, caso de la que nos ocupa. Este “Vía Cortada Al Paraíso” vuelve a ofrecernos un magnífico ejercicio de crítica social, diciendo alto y claro lo que quiere decir, sin necesidad de caer en el insulto ni la descalificación gratuita, envolviendo unas magníficas letras de denuncia y vivencias con una cuidada y exquisita instrumentación que nos lleva al rock sinfónico marca de la casa con el que el autor nos lleva deleitando desde hace más de tres décadas. El inicio con el tema que da título al disco “Vía Cortada Al Paraíso” es una espectacular pieza de más de doce minutos de rock sinfónico – progresivo lleno de suavidad y profundidad que va cogiendo ritmo y cuerpo con su gran instrumentación en la que colaboran el batería Pepe López “Pphillo” y el brillante teclista Jorge García Banegas, ex compañero en Asfalto de Julio que se encarga del resto de los instrumentos y de la voz como siempre personal e inconfundible, ayudado en los coros por su hijo Enrique. A continuación nos encontramos con “El Afilador” un nostálgico corte pleno de experiencia vital ejecutado con clase y sentimiento con un suave ritmo sinfónico, y con la más curiosa e intensa “Salvation” que únicamente incluye en inglés su estribillo a cargo de Josefina Gómez, dentro de una letra en español para que se entienda bien su encendida crítica a cerca de la miseria del tercer mundo y donde instrumentalmente brillan sus inquietantes teclas y las curradas guitarras de Paul Castejón. Se relaja el tono en el inicio de la sensible “En La Cima Del Mundo” con bastante acústica que acaba dejando sitio a sonidos eléctricos más potentes acordes con la rabia que acaba soltando contra la injusticia de los poderosos, siendo más sutil en la alegre y original “Hijos De Guillermo Tell” en la que utiliza con acierto la metáfora de la historia del arquero suizo, recordando en su sonido a la época Oñate de Asfalto, y en la que colaboran de nuevo los vástagos de Julio, Paul en las guitarras y Enrique en los coros. La bonita y triste “Peso Ligero, Carga Pesada” tiene un aire más de cantautor resultándome mucho más atractiva su letra en contra de la explotación infantil que su envolvente música con susurrante flauta a cargo de Paul incluida, mientras que “Marco, El Verso Perdido” me da la sensación de estar dedicada a alguien muy especial con algún tipo de discapacidad, barnizada por un rock sinfónico sólido y asequible que, sobre todo en su sonido de guitarra, me recuerda a los primeros Marillion. Por su parte “In Memoriam”, como puede intuirse por su título, es un amargo recuerdo a un amor pasado y desaparecido a ritmo de medio tiempo electroacústico adornado por buenos arreglos de teclas y guitarras, para poner el cierre con la extensa de mensaje anti capital “Abre Los Ojos” que intenta provocar al oyente, primero de manera suave para golpear más en su segunda parte imprimiendo mayor dureza e intensidad con buenos riffs y mayor poderío vocal. Con este interesantísimo trabajo Julio Castejón me convence casi tanto como en sus trabajos de Asfalto y, en mi opinión, supera con creces a aquel “El Corazón De La Manzana” aparecido hace ya unos añitos que me dejó un tanto frío, mostrando un gran nivel tanto letrístico como instrumental.
Mariano Palomo

jueves, 13 de octubre de 2011

BOBBY KIMBALL – JIMI JAMISON “Kimball Jamison”

(Frontiers / Mastertrax)

La verdad es que los seguidores del rock melódico no nos podemos quejar con la calidad y cantidad de lanzamientos publicados últimamente. Sin duda uno de los más esperados era este en el que unen sus fuerzas dos de los mayores talentos del género Bobby Kimball y Jimi Jamison, para poner sus voces a una docena de temas firmados por algunos de los compositores más grandes del A.O.R., tanto veteranos (Richard Page, Randy Goodrum, John Waite, Jim Peterik), como más jóvenes (Eric Martensson, Robert Sall). Y el resultado es ciertamente atractivo, con el hard melódico como patrón principal, lleno de clase y elegancia, pero con la fuerza e intensidad precisas para hacer que nos enganchemos y movamos el pie por momentos. Quizá lo que más pueda sorprender sea encontrarnos como productor junto al brillante teclista Jimmy Kresic, al mismísimo Matt Sinner más habitual en terrenos metaleros pero que siempre ha dejado sitio a la melodía y al hard rock en sus proyectos. En esta ocasión, además de por Kresic, el bajista alemán está acompañado a la guitarra por Alex Beyrodt, su habitual compañero de viaje últimamente, y por el batería Martin Schmidt, realizando los cuatro una muy buena labor como soporte y complemento para las voces de los protagonistas principales de la historia. Los dos están brillantes, rallando a un nivel tremendo, pero quizá me ha sorprendido más y para bien el estado de forma de Bobby Kimball llegando a un nivel de potencia que hacía tiempo no le recordaba, mientras que Jimi Jamison sigue en la línea habitual de clase y emotividad dentro de una carrera a la que apenas se la recuerdan altibajos. Dado que no disponemos del detalle de la autoría de cada uno de los temas, resulta curioso hacer la porra para adjudicar compositor a las canciones. Así, por ejemplo, tengo pocas dudas de que la mano de Peterik está detrás de la inicial “Worth Fighting For” un magnífico corte ochentero de puro A.O.R. de manual lleno de pasión y enganche que bien podía encajar en la discografía de Survivor, al igual que la preciosa balada “Find Another Way” con la aterciopelada voz de Jamison sobresaliendo, o la fiestera y rockera “Get Back In The Game” absolutamente contagiosa y genial capaz de alegrarte el día. No le va a la zaga la optimista “Chasing Euphoria” con un sonido algo más actual pero igualmente pegadiza con su enérgico estribillo doblado. Aires actuales a lo W.E.T. para la fantástica “Can’t Wait For Love” de tempo relajado pero con punto desgarrado espectacular a cargo de Kimball y en la que seguramente mucho habrán tenido que ver la pareja Sall-Martensson, como en la intensa y algo pomposa “Kicking And Screaming” con una tremenda alternancia vocal junto a las teclas de Kresic y al marcado bajo de Sinner. En otros cortes como el precioso y apasionado medio tiempo “I Did Everything Wrong” y en la cálida aunque un punto inferior “Shadows Of Love” rememoran el sonido cálido y elegante del maravilloso debut discográfico de The Storm con Beyrodt brillando a la guitarra en ambas, para pasar a un plano más discreto en la asequible y clásicamente A.O.R. “Hearts Beat Again” con Kimball más protagonista recordando a sus Toto, y en la más sencilla y clara “We Gotta Believe” con un grandísimo estribillo contrastando timbres y tonos vocales. Para terminar reseñar un par de perlitas relajadas, el envolvente medio tiempo “Sail Away” que bien podría ser obra de John Waite, y la balada final “Your Photograph” llena de clase y pasión creciente con una buenísima entrada de Kimball y un intenso solo de Beyrodt. Cierre magnífico para un gran disco a la altura de sus protagonistas.
Mariano Palomo

FERGIE FREDERIKSEN “Happiness Is The Road”

(Frontiers / Mastertrax)

Doce años después de la publicación de su aclamado “Equilibrium” el hombre que puso la voz al delicioso álbum “Isolation” de Toto, Fergie Frederiksen, recupera su carrera en solitario tras haber participado últimamente en proyectos de distinto calado dentro del Rock Melódico, amén de superar durísimos obstáculos vitales. Para este segundo trabajo bajo su propia cabecera el vocalista norteamericano cuenta con la inestimable colaboración del talentoso productor Dennis Ward encargándose éste además de bajo, guitarras, teclados y coros, acompañado por el batería Dirk Bruinenberg, el guitarrista Nathan Eshman y por el teclista Eric Ragno. Todos ellos completan un sonido limpio y directo de puro A.O.R. abarcando desde momentos más rockeros hasta otros más suaves próximos al West Coast, y en los que la voz de Frederiksen muestra un buen nivel desprendiendo sentimiento y emotividad, aunque en ocasiones me resulta algo plano su sonido. Entre los cortes más animados cabe destacar la enérgica y apasionada “Elaine” algo pomp, la rockerilla ochentera “First To Cry” que curiosamente también se incluye en el último disco de House Of Lords (publicado por el mismo sello discográfico hace apenas un mes) y que ya hicieron en su momento Mark Free o Airkraft, el optimista y remarcable “Happiness Is The Road” firmada por Jim Peterik con ese inconfundible aire Survivor de banda sonora americana llena de buen rollo, o las más hard cercanas al sonido Journey “Writing On The Wall” con tintes Augeri, y “Lyin’ Eyes” más ochentera rematada por un excelente solo a lo Schon. Los toques West Coast a lo Toto se dejan notar en la elegante “The One” de gran instrumentación, al igual que la preciosa “The Saviour” con unos buenísimos e intensos coros, que también llenan de emotividad medios tiempos como “The Future Ain’t What It Use To Be” más guitarrero o “Love Waits For No One” con mayor presencia de teclados. La suavidad aparece en el ritmo de la brillante “Angel (Mirror To Your Soul)” con un sonido más escandinavo que americano, de la creciente balada “Follow Your Heart” envuelta de unos buenos coros, o de la extremadamente melódica y limpia “I Still Believe In Love”. Buena colección de temas de uno de los cantantes de culto dentro del A.O.R. y que sin duda satisfará el apetito de sus seguidores.
Mariano Palomo

BIOSFEAR “Antes De Que Todo Cambie”

(The Fish Factory)

Gratísima sorpresa la que me he llevado con esta primera entrega de los madrileños Biosfear. Cuando hace unos meses vi la siniestra portada de este “Antes De Que Todo Cambie” me temí que su contenido sería mucho más oscuro y denso, pero afortunadamente una vez más las apariencias engañan y lo que encontramos en este disco son once brillantes temas de metal progresivo llenos de melodía y elaboración. Con unos detalles cuidados al extremo, consiguiendo un sonido limpio y rotundo, y en el que brillan todos y cada uno de los componentes de la banda, con especial mención a Javi Díez, teclista que ha trabajado con Jorge Salán y Mago de Oz entre otros, explayándose a base de bien a lo largo del disco. Interesantísima también la aportación del versátil guitarrista Rudy Ramos, del sólido bajista Javier Sane y del rotundo batería Juanma Maya, sin olvidar por supuesto la gran labor de la vocalista Gema Vau tan poderosa como melódica. El inicio no puede ser más atractivo con la arrolladora “Mares Ahogados” plena de técnica y pegada, perfectamente secundada por la trabajada y compleja “Mensajero De Otro Tiempo” adornada por unos evocadores sonidos orientales y unas virgueras guitarras. En la misma onda, pero más tendida se presenta “Elixir De La Ilusión” corte algo enrevesado que se hace más asequible por sus melodías de voz rematándose por un melancólico piano que enlaza con la suave y creciente “Reminiscencia” llena de calidez sobre todo por la voz de Vau y por la percusión de Juanma. Vuelve la caña progresiva con la pesada y agresiva “Mi Vanidad” algo suavizada por las teclas de Javi acompañadas por un buen solo de nuestro amigo Jorge Salán, para tomar un sendero más actual en la más espesa “Reflejo” insertando algunas voces medio rapeadas, que desaparecen en la romántica y descarnada “No Desaparecerás”, quedando mucho más potente y personal en la competente “Las Arrugas De Mi Piel” plena de pegada y matices vocales recordando a los últimos Avalanch. Baja la intensidad y el ritmo en la tenebrosa “Ven A Mi”, para acabar de forma dura y sólida con la agresiva “Miserable Humanidad” precedida de la breve bélica instrumental “Antes De Que Todo Acabe”. Un muy buen disco de gran nivel instrumental y compositivo que demuestra una vez más el gran talento de los músicos españoles, aunque muchas veces no seamos capaces de apreciarlo.
Mariano Palomo

ANKOR “My Own Angel”

(The Fish Factory)

Realmente interesante me ha parecido la propuesta musical de los catalanes Ankor con este trabajo bajo el título de “My Own Angel”. Si bien la base y esencia fundamental del mismo es el heavy-power melódico actual, en el disco encontramos abundancia de matices que van desde ambientaciones góticas, a pasajes líricos, llegando incluso en algunos momentos a registros casi “A.O.R.”, para entendernos. Esta sorprendente mezcla da como resultado temas tan interesantes como la original e intensa “It Would Be Easier” en la que destaca, al igual que en toda la obra, la preciosa voz de Rosa De La Cruz dando un punto romántico contrarrestada por otra masculina más dura que no llega a ser desgarrada como por ejemplo en la arrolladora inicial “Remaining” que me suena a los holandeses Epica. Entre medias aparece “Completely Frozen” de ritmo cabalgante pero sin atropellarse y donde las guitarras de David Romeu y Fito Martínez toman un protagonismo más power junto a los buenos arreglos de teclados de Javier Casanova, quedando diluidos en la más happy “Awaiting For Your Awakening”. Esos aires alegres se acentúan en la primera mitad casi hard de “No Matter What” endureciéndose radicalmente en su segunda parte de nuevo con la voz gutural del bajista Julio A. López creando un curioso contraste que la hace de lo más atrayente. La originalidad se mantiene en “My Own Angel” que comienza lenta con la dulce voz de Rosa que acaba recodándome a la de Dolores O’Riordan (The Cramberries) para ir dejando sitio a sus compañeros e ir cogiendo cuerpo instrumental y ritmo llegando al hard melódico actual y algo lírico rematado por un solo de guitarra bastante aorero. Un toque “A.O.R.” que también encontramos en algún momento de la final “Starting Over” que acaba rompiendo puramente power metalera. Power actual de ritmo cortado marcado por el batería Jordi Vidal transpira la limpia “Pride” apasionada en sus voces con lirismo y fuerza a lo Within Temptation pero con menos pomposidad. Siguiendo la misma línea pero más embarullada está “Against The Ground” de nuevo con aportaciones guturales, que se repiten en la trabajada y lograda “Reborn” más groove y efectiva salpicada de buenos detalles de guitarras y teclados siendo una de las que más me ha llamado la atención. Originalidad, versatilidad y una más que correcta producción a cargo de la propia banda  hacen de este disco una muy buena carta de presentación de una banda como Ankor a la que habrá que seguir la pista a partir de ahora.
Mariano Palomo

INSOLENZIA “Me Quema El Sabor De Tus Ojos”

(Carcajada Records / Santo Grial Records)

Traemos hasta aquí este proyecto de los aragoneses Insolenzia más por lo que tiene de original conceptualmente que por su orientación musical que se escapa un tanto de nuestros contenidos. Lo que nos ofrecen es un lanzamiento uniendo música y literatura reflejando sentimientos y vivencias en nueve canciones y una novela. Aquí nos ocuparemos someramente del apartado musical sin profundizar en exceso ya que, como decía antes, su rock callejero con toques pop-rock escapa a nuestra línea habitual. Para entendernos y simplificando bastante, el sonido del disco podría ser un cruce entre el rock crudo y directo de Marea o Sínkope, en el que mucho tendrá que ver la producción de Iker Piedrafita, y las líneas vocales más pop de Amaral, con los vocalista Daniel Sancet e Isabel Marco como máximos responsables, poniendo su voz a unas letras bastante poéticas e interesantes. Los cortes más puramente rockeros y cazalleros “A Pleno Pulmón”, “Caer De Pie”, “Desnudando El Ayer” y “Esperaré” tienen como protagonista principal a Daniel desgarrando su voz junto a las crudas guitarras de Félix Ruiz y Miguel Lucía, mientras que Isabel pasa al primer plano recordando a su paisana Eva Amaral en la pegadiza “Barro Consentido”, en la sencilla y sensual con las hormonas a flor de piel “Va A Estallar”, y en la agradable con cierto regusto R.E.M. “Deja De Ser”. Entre medias combinan guitarreo y accesibilidad en la eficaz “Besos De Antifaz” y en la más destacable “El Baile De La Libertad” que adornan con un buen sonido de guitarra flamenca dentro de una intención más puramente rockera suavizada por la voz de Isabel. Aun sin ser mi palo creo que hay que reconocer el mérito de este trabajo, sobre todo por sus letras y originalidad.
Mariano Palomo

HAMLET “Amnesia”

(Kaiowas Records)

Nunca he sido seguidor de Hamlet en ninguna de sus etapas, ni cuando flirteaban con el hard rock en sus inicios ni cuando hace ya un montón de tiempo se convirtieron por méritos propios en uno de los máximos exponentes patrios del metal actual más contundente. Ni por estilo ni por afinidad han acabado de llenarme, pero sería una absoluta necedad negar la valía y repercusión de una banda que lleva más de veinte años dando caña, con una decena de discos a sus espaldas y con infinidad de giras y conciertos tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Y la verdad es que con este “Amnesia” no han conseguido engancharme, y no porque el disco no tenga calidad, que la tiene, sobre todo por la solidez y rotundidad de su sonido, pero es que los registros guturales que abundan en el disco y la falta de llegada en los temas me tiran para atrás, supongo que es algo lógico teniendo en cuenta que el nu-metal que impregna todo el disco me ha pillado ya muy tarde y se me hace excesivamente denso y pesado. Aun así me han llamado la atención algunas fases de temas como la agresiva “La Fuerza Del Momento” que aporta más matices melódicos y groovies, como la trabajada “Entre La Niebla” que es una buena mezcla de fiereza y melancolía, o la arrolladora “Despertar Sin Vida” con un doble bombo frenético a cargo de Paco Sánchez que sobresale junto a la arrogante actitud de la voz de J. Molly. Una voz más matizada en la afilada “Mi Soledad” donde Luis Tárraga y Alberto Marín destripan inmisericordes riffs como a lo largo de todo el trabajo mientras Alvaro Tenorio los corta con su bajo, tornándose más industriales si cabe en la crítica “Al Tercer Día” donde denuncian el fanatismo religioso, y en la saturada “Estado De Fuga”. Por su parte “Deja Vu” engancha con sus guitarras adornada por algún detalle doom, mientras en “La Sombra Del Pasado” muestran una cara más atormentada y punzante pero sin demasiado ritmo, al igual que en “Un Mundo En Pausa” en la que incluyen partes recitadas marca de la casa, cerrando con buen ritmo en “Desesperación” donde se cruzan voces limpias y guturales recordando a unos Sober más oscuros. Supongo que este disco gustará bastante más que a mi a los fans de Hamlet y del metal contemporáneo cañero y seguramente tendrán más elementos de juicio para valorarlos que yo.
Mariano Palomo

ISSA “The Storm”

(Frontiers / Mastertrax)

Una de las voces femeninas más activas dentro del panorama melódico escandinavo actual publica en estos días su segundo larga duración tras debutar hace algo más de un año con el correcto “Sign Of An Angel”. Un disco que mostraba el buen nivel vocal de Isabell Oversveen, o lo que es lo mismo Issa, pero denotaba cierta irregularidad e indefinición a la hora de decantarse por un estilo concreto, con el A.O.R. suave como base pero sin hacer ascos a sonidos más duros rozando el metal. En esta ocasión en su sucesor desaparece cualquier atisbo de sonido metalero y nos encontramos ante una docena de temas de puro y duro pop A.O.R., tan agradable a la escucha como insustancial y vacío por momentos, de nuevo con la bonita voz de la titular brillando sobre una instrumentación excesivamente light para mi gusto. Comercialidad y efectividad en cortes como “Looking For Love” bien hecha y pegadiza, “Two Hearts” de ritmo alegre y resultón, al igual que las más rockeras “Black Clouds” y “You’re Making Me”, o en la más actual y rotunda “We’re On Fire” en la que se nota la mano de los Hermanos Martin (Vega, Khymera). Una pareja que también firma el suave medio tiempo a lo Erika “Invincible” y la intensa “The Storm” donde resalta el trabajo instrumental más hard recordando a nuestros paisanos Nexx resultándome de las más atractivas junto a la convincente “What Does It Take” de mayor calado comercial. En menor grado me atraen los más temas lentos como “Take A Stand” y “Gonna Stand By You”, bonitos pero sosos, mejorando en el medio tiempo “Too Late For Love” con mayor presencia de guitarras y estribillo. Se completa el trabajo con la ultra melódica y popera “Please Hold On”, y con la más conseguida y trabajada “Black Clouds” en la que destaca el trabajo más sinfónico de teclados y sus grandes líneas vocales saliéndose un poco de la línea excesivamente suave que marca el CD. Seguramente gran parte de responsabilidad de este sonido haya que atribuírsela al batería Daniel Flores, cuyo trabajo desde los tambores curiosamente apenas luce, siendo otro de los factores que hacen que este disco se me quede bastante a medias y me parezca perfecto para completar el hilo musical de consultas odontológicas y ascensores de rascacielos.
Mariano Palomo

MORTON “Come Read The Words Forbidden”

(AFM / Avispa)

Parece que la cosecha de bandas originarias de las repúblicas ex soviéticas sigue dando sus frutos. En este caso desde orillas del Mar Negro nos encontramos con la primera entrega del proyecto del vocalista ucraniano Max Morton que, junto a otros cuatro solventes músicos, se ha encargado de dar forma a una esta colección de temas. En los mismos se dan cita los elementos estándar del power metal: bases machaconas y sólidas, trabajadas melodías vocales, buenas guitarras, y ambientes épicos, adornado todo ello por momentos oscuros y líricos con desigual atractivo. Abren de forma correcta con la épica de base disparada “Calling For The Storm”, para cabalgar seguidamente sobre el ritmo de la motivada “Eeaglemark” en la que convencen sus voces y melodías, al igual que en la más sencilla y efectiva “Brotherhood Of Light”. Se ensombrece la instrumentación en la más gris y lírica “Sleeping King”, en la misteriosa e intensa “Losing Faith” donde destaca la voz de Max doblándose recordando ligeramente a King Diamond, tornándose bucólica y suave en la lenta “We Are The Shades” que engancha con la creciente “Oblivion” adornada de elementos sinfónicos. La oscura “Grimoire” con sus teclas ambientales tiene un aire gótico y denso que rompe poderoso en la trabajada con toques progresivos “Burning Prisoner” que me suena a los Kamelot más crudos, mejorando más aun en la destacada “Werewolf Hunt” con mayor carga sinfónica a lo Dark Moor. La parte final del trabajo sigue en la misma línea misteriosa pero menos pesada con la cumplidora “Black Witch” en la que sobresalen las guitarras de Roman Skorobagatko y Alexander Rudnev, que prácticamente desaparecen en el pesadísimo y prescindible interludio instrumental “Azrael” que engancha con la atormentada “Weeping Bell” que cierra de forma pausada y densa sin apenas brillo. Disco correcto, sin excesivos alardes, con fragmentos rescatables, y que se une a la extensa lista de trabajos del estilo que tratan de hacerse un hueco en las estanterías de sus fieles.
Mariano Palomo